“Ta – Te – Ti” Nacional

Boom o no boom, entre estrenos, reestrenos y continuaciones de pasadas corridas, los últimos meses han visto las carteleras de nuestras salas de cine gratamente invadidas por propuestas cinematográficas nacionales. Es así que, desde mediados de año, se estuvieron exhibiendo, en tres de los cuatro principales cines de la ciudad, y sucesivamente, “Lo más bonito y mis mejores años” (celebrada opera prima del prometedor Martín Boulocq, que ya comentamos anteriormente), “Sena Quina” (exitosa reposición de la taquillera comedia de Paolo Agazzi, estrenada en 2005), “¿Quién Mató a la Llamita Blanca?” (otra comedia nacional, dirigida por Rodrigo Bellot, que permaneció en cartelera por dos meses y en dos cines en simultaneo, y ha sido sujeto de múltiples análisis y comentarios en éste blog), “Amargo Mar” (reestreno, veintialgo años después, de la exploración historicista de Antonio Eguino, de tibia recepción), “Psico Urbano” (novel producción paceña, aún en cartelera) y “I am Bolivia” (film cruceño estrenado la pasada semana), además del lanzamiento en DVD, a precio popular y de la mano de un diario nacional, de la filmografía de Paolo Agazzi, todo esto para gran alegría y esperanza de la cinefilia local, finalmente augurando el esperado florecimiento del cine nacional.

A continuación presentamos breves reseñas y comentarios de las últimas tres películas nacionales que pudimos ver, todas ellas en los pasados 45 días.



Clases de Historia en una Butaca

En principio recibí la noticia con gran entusiasmo. A través de amigos cinéfilos, y luego de la prensa, me enteré que se reestrenaría la celebre (y acaso polémica) película de Antonio Eguino, “Amargo Mar”. No dudé en asistir, pues guardo especial afecto a este film, que tuve oportunidad de ver por primera vez en el colegio, aunque en una estropeadísima cinta de video, por lo que mi motivación inicial parte de ese nostálgico propósito que, espero, no termine oscureciendo mi razonamiento.

La película, publicitada en estos días como una obra de valor didáctico, incluso cuenta con un escueto folleto de información histórica relacionada con la película, que se vende junto con la entrada. Naturalmente, sí tiene un alto valor educativo, como film, debido especialmente a su tono revisionista histórico, sustentado en la obra y trabajo de importantes historiadores que colaboraron en la producción, entre los que recuerdo a Edgar Oblitas y Fernando Cajías, por lo que es innegable su rescatable valía documental. Claro que hablar de su valor artístico o cinematográfico es otra historia completamente distinta.

El mejor adjetivo que le pude encontrar a la película fue el de docudrama. Me explico, me recordó mucho a los insertos “dramatizados” que suelen pasar en los documentales de The History Channel, ambientados y con actores (o sujetos que se parecen a Horatio Nelson y se pasean vestidos como los personajes de la época) pero con muy poca sustancia. Más aún, a momentos me pareció estar viendo un culebrón como aquel que en cierta ocasión vi, que

liberrimamente novelizaba la vida de Simón Bolívar, o la de Tupac Amaru, en otro caso. Por supuesto que son fieles a la época y contexto histórico, las reconstrucciones son creíbles y genuinamente sorprendentes, o el vestuario es realmente como el del “Siglo de Pericles”, pero hay que decir que todo eso no es suficiente, si acaso necesario, para hacer una buena película.

No estoy sugiriendo que el film de Eguino sea malo, sino que funciona a otro nivel. No hay que buscar una buena historia, personajes fuertes y quizás algún otro factor de interés, eso no nos lo ofrece una película como “Amargo Mar”. El interés de un trabajo como este se halla en poder presenciar, o enterarnos, al final de cuentas, si es que realmente no iniciamos la defensa del Litoral a tiempo porque interfería nuestra jarana carnavalera, o si es que efectivamente los comandantes ordenaron a las tropas bolivianas llevar vino, en lugar de agua, en sus cantimploras, para sobrellevar mejor el paso del desierto de Atacama. Lo que el público debería esperar de esta película es una recreación rápida, que nos ahorre, perezosos como somos, el tener que leer folios y folios de enciclopedias históricas; pues es más cómodo y sencillo ver a Daza varado en Tacna que leer los pormenores del asunto en voluminosos tomos, de mayor fiabilidad y profundidad. Aquí sí obtenemos eso, con el plus adicional de que la historia que se nos cuenta bien puede ser la “historia real” y no lo que Don Aniceto Arze quiere que sepamos y que muy probablemente es lo que nos enseñaron a repetir en el Ciclo Básico.

Debo reconocer que, aparte de “Chuquiago”, no conozco demasiado a fondo la obra de Eguino, pero su estilo ya se me hace muy notorio, a pesar de lo distinto de una y otra producción. Sin embargo, algunos de los defectos que pude apreciar en su otro trabajo, en “Amargo Mar” parecen acentuados, entre una fotografía plana y a veces en exceso pegadiza, unas actuaciones de flojas para abajo (en algún caso el parecido físico con el personaje histórico no garantiza nada más), una narración distraída y pensada en plan de atar hechos históricos entre sí, la falta de coherencia en el uso del narrador omnisciente en off y su olvido final, que perfilan en conjunto una película más bien débil.

Hay momentos en en film, a pesar de todo, rescatables y hasta interesantes. No voy a hablar de la única batalla que hay en todo el metraje (simplemente diré que esta cae de austera a minimalista) ni de la sobrehumana y heroica carrera del Estafeta Colque, sino de algún momento en el que una toma abierta, o un plano interesante (de los pocos que hay), acompañado por la música de Alberto Villalpando, que a ratos me supo a “western”, sumaron positivamente para generar un elemento que hizo que toda la experiencia me resultara un tanto menos tirante.

Lamentablemente estoy en una butaca, no viendo un documental en una tarde de ocio, o esas biopics serializadas de Hallmark. Tampoco busco una orgía de explosiones bélicas a lo Michael Bay, ni la introspección filosofante de Terrence Malik (por nombrar dos ejemplos de cine “bélico – histórico” recientes y cercanos), pero hay formas mucho más atractivas de dar una clase de historia en celuloide, eso lo sabemos. Estoy en el cine y esto me predispone mal; la butaca, la sala oscura, el Dolby y las pipocas construyen una “Quinta Muralla” que complica mucho más la situación.

En conclusión, ver “Amargo Mar” completa y de un tirón (con los cambios de hora en el colegio fue imposible) en una copia restaurada y con buen sonido, era una tarea pendiente que ya pude cumplir. Luego, como película, se trata de un esfuerzo bastante mediano, que puede rescatarse por su valor didáctico, importantísimo como producto de la revisión histórica, aunque talvez resulte infumable para algunos jóvenes, que deberían ser su público objetivo más fuerte. A pesar de todo, con “Amargo Mar” sucede como con las novelas de ficción histórica, que en general no son “grandes novelas” pero entretienen, se dejan leer. Aunque entre un Steinbeck y un Manfredini, la elección es obvia.

La importancia de llamarse Alejandro

Suelo evitar leer o escuchar comentarios sobre las películas antes de verlas. Pero en este caso el rumor inevitablemente llegó a mis oídos, la película era pésima. Bueno, eso tampoco significa demasiado; aunque el despliegue publicitario y la cobertura mediática, en ambos casos profusos, no garantizaban lo contrario, sí hacían necesario ver la película, para confirmar o desmentir la afirmación.

La película, una producción privada (no contó con financiamiento alguno de CONACINE) de un equipo de jóvenes realizadores de la ciudad de La Paz, que se acerca más bien al mediometraje por su escasa longitud (algo que luego agradecería), se cuelga el pesado rótulo de “Thriller Psicológico”, pretensión que ni siquiera verdaderos thrillers psicológicos se permiten (aunque sean obras maestras, tal es el caso de “The Conversation” de Coppola o interesantes obras como “El Maquinista” de Brad Anderson). “PsicoUrbano”, desde ahí, ya partía con el pie equivocado.

¿Por donde empezar? Ah, por el cortometraje “La Matraca”, que antecedió la proyección. Y aunque me pareció en un principio que, debido a su orfandad temática (o lo trillado de la misma), era algo así como un hijo no deseado, al final de cuentas terminó estando mucho mejor filmada (desde lo estrictamente técnico y estético) que la película a la que “teloneaba”. Pero tal es un pequeño apunte sin importancia.

“PsicoUrbano” quiere arrancar a mil, insertándonos en el momento climático de una persecución que se nos anuncia, premonitoriamente, es un mal sueño. De ahí en adelante se inicia una caída libre tan desconcertante como ridícula. Nada es la improbabilidad de las situaciones, lo pésimo del guión, lo forzado de la historia, pues la película, lenta y dolorosamente, irá desnudando sus fallas a lo largo de sus casi 60 minutos de duración.

Comenzaré anunciando spoilers, aunque tal gentileza en realidad no lo es tanto, esta película no es precisamente de las que uno tema “arruinarle” al público que se informa (mediante críticas, comentarios y reseñas, sino ¿De qué otra forma?) antes de decidir a qué película ir; ciertamente no les contaré el final, pero algo por ahí se me puede escapar, estén advertidos.

Partamos de un axioma a veces usado a la inversa, el universo onírico no es una licencia para el “vale todo”. En esta película, sin embargo, el argumento inexistente parece querer justificarse con tal pretexto. Sino veamos el trabajo del genial David Lynch, que a pesar de lo surrealista de su cinematografía, logra mantener una coherencia narrativa, aunque subterránea, fundamental para que la película funcione. Pero ojo, no todos somos Lynch, Cocteau o Buñuel. Y si la onda es la de meterse a contar historias medio “raras”, freudianas, y de cargado simbolismo, es inevitable la relación con el psicomago Alejandro Jodorowsky, que hace del cine su lienzo para explorar con delectación historias de este tipo, en las que el psicoanálisis y la disección sesuda, filosófica desde el subterfugio, son imprescindibles. Pero no todos somos Jodorowsky; muchos ni siquiera llegamos a Claudio Argento (maestro del giallo), o a Jess Franco (patriarca del Cine Z), aunque ahí estamos saltando de la Champions League a la Liga Boliviana, para proponer una simplista analogía futbolera.

Volviendo a “PsicoUrbano”, sus personajes parecen obtenidos de una ramplona piñata de tipologías y patologías psicológicas, bordeando en su construcción el lado ridículo de lo inverosímil. Muy mal filmada, mal fotografiada, con un manejo del color y del espacio, del lenguaje, por lo menos desconsideradamente solapado, inconsecuente en sus múltiples apuestas estéticas; pobremente actuada, sin una historia o un motivo para seguir desenvolviéndose, a veces nos hacía lamentar que el cine no tenga control remoto. Plagada de recursos desperdiciados en la forma de flashbacks, alucinaciones, cuartos oscuros, fantasías, delirium tremens, raccontos y por supuesto sueños, este parece un examen de cinematografía básica, más de identificación o colección que de desarrollo de tales recursos y clichés, aunque es probable que, con su pobrísima factura, el aplazo sea, en tal caso, una obviedad. Y no es que los actores o el equipo técnico sean malos, sino que a veces las cosas no salen como se planearon. Este era originalmente un proyecto de película para la televisión, ¿No?. ¿Será que nadie la aceptó? No lo sé, pero David Mondacca no para de pedir “su ajenjo”, y hay tanta sangre, violencia, desnudez y perversiones gratuitas como para asegurar lo anterior.

Bueno, ya se ha dicho suficiente. Cerremos ahora el comentario, añadiendo que “PsicoUrbano” puede considerarse como el primer engendro del Cine Z en nuestro país. Pero, ¿Hay que celebrar eso?, ¿Lo habrán hecho a propósito los realizadores? No lo sabemos, pero hasta Ed Wood se murió jurando que era un cineasta en serio. Lo mismo que Edgar Ulmer era un maestro expresionista que se deleitaba filmando tonterías. Cierto, olvidaba mencionar que el soundtrack es original, y por ello al menos llamativo. Recuerdo, también, que un “desafortunado” espectador llegó tarde, entrando en medio de la proyección de este fundacional esfuerzo por lanzar el cine berreta en nuestro país. Al salir, dado que la sala estaba casi completamente vacía, pude fácilmente ver que el sujeto había tenido mejor suerte que nosotros, se había quedado dormido.

La Cara Inocente De Una Negación

Llega la hora de ir cerrando este Ta – Te – Ti de películas nacionales con la última que pude ver, apenas el pasado viernes (3/11), y la que, a pesar de los prejuicios y antipatías que uno podía cargar, me sorprendió gratamente, sin ser una excelente película.

Realizada casi íntegramente por un equipo cruceño, “I am Bolivia” se constituye en una interesante exploración sociológica (y a veces generacional) del mundillo urbano nacional, donde el particularismo regional, supuestamente obvio factor limitativo, es poco menos que una circunstancialidad; que a ratos los propios realizadores parecen querer tomar tangencialmente, con diversos resultados, logrando en líneas generales una buena película.

Más aún, debemos admitir que ésta película es quizás la más lúcida exploración de la identidad nacional, desde la alegoría y con suficientes libertades poéticas para presentar lo dolorosamente frontal sin evasivas, que se haya practicado en nuestro cine durante los últimos años.

Desde el título, metafórico como se descubrirá, se adivina una intencionalidad manifiesta en toda la obra. El enfoque aquí es claro, y si bien no termina cayendo en una seriedad acusadora completamente afectada, casi maliciosa, más bien logra matizar muy bien la crítica más directa con salidas cómicas, que hacen del film un trabajo mucho más potable que otros emprendimientos, surgidos con similares intenciones originales. El cine político siempre ha sido “el buque insignia” del cine boliviano, cosa que se ha revertido relativamente en los últimos años, pero sin duda el fresco abordaje de Anche Kalashnikova y su equipo trae nuevos aires a ese “cine urgente”, tan arraigado en nuestro país.

Insistir en el retrato radiográfico de una sociedad tan fragmentada (abigarrada, para ser precisos) como la nuestra, puede antojarse como una fruslería, hasta una imposibilidad; pero la propuesta de “I am Bolivia”, de muchas formas cuestionable (seguro que el punto de vista cruceñista es uno de los menos indicados para relevar la realidad nacional), termina permitiendo una universalización temática de otra forma imposible. Por ejemplo, un “comunista cruceño” suena muy mal en papel, lo mismo que una niña de nombre Bolivia o el infaltable (siempre hay uno) pseudocineasta en ciernes. Pero, en el film, precisamente esa improbabilidad construye una capacidad de quitarse de encima el efecto externalizante de “lo cruceño”, y hasta uno llega a creer, que salvo el acento de los personajes, la historia fácilmente podría trasladarse a cualquier otra ciudad; aunque no deja de ser interesante poder observar aquella “otra Santa Cruz”, la que no sale ni en los Sociales de “El Deber”, ni en “Mundo al Revés”, pues no se nos suele ofrecer la oportunidad de ver a esa juventud cruceña, muy próxima a nosotros y profundamente hermanada en preocupaciones existenciales y hasta trivialidades.

Justamente una nueva generación de actores jóvenes es la que se hace cargo de los personajes principales, dotando de vida tan bien a los papeles que encarnan, que uno se pregunta hasta que punto se están interpretando a sí mismos, o a alguien que conocen muy bien. Sin embargo, el desasosiego generacional de “Lo Más Bonito y Mis Mejores Años” no se alcanza con la misma fuerza, aunque se debe reconocer que aquel tampoco es el objetivo de la cinta. Los prometedores José Lijerón, Vanesa Fornasari, Friedrich Henners y Guillermo Sicodowska demuestran, con sus impecables actuaciones, que ya existe una importante generación de artistas escénicos en el país, muy bien formada, dotada de gran talento y con muchas ganas de hacer cosas distintas; que aquí se acompaña en igualdad de condiciones por un solvente Luis Bredow, representando a “la vieja guardia”, junto con el usualmente parejo (plano, dicen) Jorge Ortíz, que no desentona.

En el plano narrativo, “I am Bolivia”, es más bien una película convencional, de estructura sencilla y que se trabaja, no desde la impostación pseudovanguardista, de la experimentación innecesaria y pretenciosa; sino que se permite la delectable virtud de, siguiendo un modelo más bien tradicional, desenvolverse desde el guión, desde el desarrollo de personajes y desde una historia sólida e interesante. Repleta de alegorías, a momentos pedestres, y en otras ocasiones sublimes, al punto de recordarme mucho el manejo simbólico del gran William S. Burroughs, redondean un guión consolidado y disfrutable a múltiples niveles.

Tal vez el principal defecto que pude encontrarle, y lo menciono porque siento que tiene gran relevancia, fueron algunas de sus salidas dramáticas, a veces cayendo de lo sensible a lo cursilón, pero evadiendo facilismos, lo que hace que tal opinión no sea más que el reflejo de un gusto personal por historias más crudas; lo que le reclamo precisamente a ésta película, mayor crudeza, mayor mordiente.

Cerrando ya este comentario, no puedo dejar de felicitar al equipo de “Surazo Producciones”, que encabezados por Kalashnikova lograron componer un interesantísimo film, de gran valor técnico y con un fondo muy rico, que se puede rotular, sin pretenciones, como una ajustada exploración sociológica. Aunque se tiende a creer que se trata de una “película camba” [sic], considero que más bien evita el pesado arraigo que sufren obras inopinadamente localistas, como “Chuquiago”, y se universaliza, se hace nacional, dejando que las camisetas de “¡Autonomía Carajo!” sean un chiste tan malo como los perfiles “Korda” del icono del Ché, clandestinamente abocetados en cajas y embalajes de productos de contrabando.

Llena de gratas sorpresas, la muy recomendable “I am Bolivia” nos entrega inesperados momentos de revelación, como cuando una cruceña, atractiva (de rasgos más bien poco mestizos), angloparlante y de madre costurera, revela que se sintió por primera vez dolorosamente boliviana cuando fue deportada del “Paraíso Europeo”, ella que tan lejana se sentía de esa "Bolivia india"; o cuando el guevarista fanático (que en otro momento epifánico, con gran estoicismo, además, se come sándwiches de “verga de toro” [sic]) se manda una interesante reflexión generacional, que acaba como objeto de mofa de sus compañeros de vida; o del viejo izquierdista (que como el nuevo) también “necesita comer” y termina viviendo (como siempre) muy bien, asimilado en la “derecha”; o los políticos y su cara hipócrita, comparable a pisar un pestilente trozo de heces en la calle, además de otras mucho más sutiles figuras y metáforas, que encuentran su punto culminante en la frágil niña, “india”, pestilente y muda, secuestrada para su venta, hecha empleada doméstica, forzada a aprender inglés, observada como rareza exótica por curiosos ongistas europeos, y finalmente “prostituida”, pero con suficiente voluntad para cuestionarse, finalmente, su propio destino; esa niña llamada Bolivia.

The icing on the cake

Finalmente concluyendo este extenso artículo, que resume el importante (poco parejo, pero remozado) estado de forma del cine en nuestro país, mediante tres películas muy distintas, no podemos dejar de invitar a todos a continuar apoyando al cine boliviano, muy especialmente en este momento de definición y relanzamiento. Esperamos, expectantes, próximas novedades; pues, según las evidencias, el optimismo no es infundado.



Quién se esté sintiendo curioso, considérese invitado a leer éste documento que nos fue enviado para su (no) publicación, cosa que hacemos, intimamente involucrado como está con el actual momento del cine nacional.